"Solitude or Intimacy" präsentiert vier Werke elektronischer Musik von fünf verschiedenen Komponisten. Die Idee ist, gemeinsame Verbindungen im Klang und im kreativen Prozess zu finden oder ob jedes Werk als isoliert und getrennt von den anderen wahrgenommen wird. In "Solitude or Intimacy" werden intime Fragen über den kreativen Prozess aufgeworfen. Wie wird jedes Werk geschaffen? Wie arbeitet jeder Komponist mit dem Klang? Wie kann Klang andere Wissensbereiche einbeziehen? Wie kann Klang zeitliche und räumliche Dimensionen ansprechen? Die Antworten auf diese Fragen kann jeder Hörer selbst geben, indem er die Werke ansieht und anhört.
“Solitude or Intimacy” presents the creation of five works of electronic music by four composers. The idea is to find the existence of common connections in the sound and creative process and see if each work is perceived as isolated and separated from the others. In “Solitude or Intimacy” intimate questions about the creative process are raised. How is each work created? How does each composer work with sound and the performance? How can sound include other areas of knowledge? How do sound and staging correlate within these works? How do the works address temporal and spatial dimensions? The answers can be – or not be – given by each of the audience members, by listening and watching the performances of these works.
14:00 Installations (alternating 1 hour each; 2 runs)
Daniele Pozzi, composition and sound installation.
Five Places on Fragility (2022)
Hugo Vasco Reis, composition and sound installation
18:30 Concert (duration: approx. 1 hour)
Responsive Space / Through the Cloud (2022)
Raimund Vogtenhuber, composition and audiovisual performance
up to II (2023, world premiere)
Deok-Vin Lee, composition and performance
Gérard Grisey, Stèle (1995)
adapt. Lorenzo Orsenigo (2023) for wo wheeled bass drum, light bulbs and performer
—————————————————-
Daniele Pozzi präsentiert eine immersive 8-Kanal-Soundinstallation basierend auf Field-Recordings und synthetisierten Sounds. Ein einfacher iterativer Algorithmus für maschinelles Lernen versucht, konkrete Geräusche zu imitieren, die in einer Außenumgebung aufgenommen wurden. Die zeitliche Charakteristik des Lernprozesses selbst wird als formaler Rahmen für die Klanginstallation verwendet.
Das Werk Five Places About Fragility von Hugo Vasco Reis wird aus fünf akusmatischen Musikstücken bestehen, die auf Klanglandschaften aus fünf ländlichen Dörfern im Zentrum Portugals (Vila de Rei, Oleiros, Proença-a-Nova, Mação und Serta) basieren. Die Kompositionen sind eine Symbiose zwischen der Entwicklung eines Ökosystems und einer künstlerischen Praxis, die Klänge einbezieht, die aufgrund ihrer Eigenschaften oder ihres Standorts nicht die gebührende Aufmerksamkeit erhalten und vernachlässigt werden, selbst von den Menschen, die diese Dörfer bewohnen und täglich mit diesen Klängen leben.
Raimund Vogtenhuber beschäftigt sich mit den Beziehungen verschiedener medialen Ebenen bei multimedialen Konzerten und mit der Frage wie das Publikum in multimedialen Performances angesprochen werden kann. In “Responsive Space / Throught the clouds” kann jeder Zuhörer sich mit dem eigenen mobilen Gerät am Konzert beteiligen. Ein räumliches, multimodales Erlebnis für Aug und Ohr.
Die Performance von Deok-Vin Lee zeigt die intensive körperliche Anstrengung des menschlichen Körpers sowie andere herausfordernde physische Elemente. Da der musikalische Fluss verschiedene Aspekte des Körpers des Darstellers hervorhebt, besteht für die Beobachter die Möglichkeit, die Essenz des menschlichen Daseins mitzuerleben.
Stéle (1995) wurde ursprünglich für zwei Schlagzeuger komponiert und ist dem Andenken von Dominique Troncin gewidmet, einem Schüler Griseys, der zu früh verstarb. Das Werk wird von Grisey selbst als die Erzählung eines Begräbnisrituals beschrieben, das auf einem alten Grabstein eingraviert ist. Vibrationen, Atemzüge, Geräusche, also “Klangmaterialität”, interessieren Grisey – als würde er die Geräusche beschreiben, die ein sterbender Körper produziert.
In meiner Interpretation habe ich eine Art Trauermarsch inszeniert, indem ich die Basstrommeln über einen geraden Weg gezogen habe. Entgegen der Partitur positioniere ich die beiden Basstrommeln sehr nahe beieinander und befestige sie mit einem Gurt an meinem Körper. Die beleuchtete Stoppuhr wird zwar in der Partitur ausdrücklich erwähnt, ist aber in den mir zugänglichen Videoaufzeichnungen nur sehr selten zu sehen. In meiner Interpretation nimmt sie jedoch eine Schlüsselrolle in Form von blinkenden Glühbirnen ein, die den kontinuierlichen Fluss der Zeit symbolisieren. Das Gefühl der Leere über den Verlust von Dominique, das jeder über den Verlust eines geliebten Menschen empfinden könnte, manifestiert sich, wenn ich, Performer und “Körper”, zum Ende des Stücks komme und mich allmählich von der großen Trommel entferne. Dann wird der letzte Teil des Stücks über die Lautsprecher eingeblendet, wodurch ein fließender Übergang entsteht, der das Thema des “Überschreitens der Schwelle” unterstreicht, eine der am häufigsten wiederkehrenden und emotional ergreifendsten Symboliken in Griseys gesamter Inszenierung, nämlich das ansonsten fast unsichtbare Bild des Eintritts in das “Jenseits”, das Leben nach dem Tod.
——————-
Daniele Pozzi presents an immersive 8-channel sound installation based on field recordings and synthesised sounds. A simple iterative machine learning algorithm attempts to imitate concrete sounds recorded in an outdoor environment. The temporal characteristics of the learning process itself are used as a formal framework for the sound installation.
Raimund Vogtenhuber deals with the relationships of different media levels in multimedia concerts and with the question of how the audience can be addressed in multimedia performances. In “Responsive Space / Through the Clouds” every member of the audience can participate in the concert with their own mobile device. A spatial, multimodal experience for the eyes and ears.
Deok-Vin Lee’s performance showcases the intense physical exertion of the human body, as well as other challenging physical elements. As the musical flow highlights different aspects of the performer’s body, there is an opportunity for observers to witness the essence of the human condition.
The work Five Places About Fragility by Hugo Vasco Reis will consist of five acousmatic musical pieces based on soundscapes from five rural villages in central Portugal (Vila de Rei, Oleiros, Proença-a-Nova, Mação and Serta). The compositions are a symbiosis between the development of an ecosystem and an artistic practice that incorporates sounds that, due to their characteristics or location, do not receive due attention and are neglected, even by the people who inhabit these villages and live with these sounds on a daily basis.
Originally composed for two percussionists, Stéle (1995) is dedicated to the memory of Dominique Troncin, a student of Grisey who passed prematurely away. The work is described by Grisey himself as a narration of a funeral rite engraved on an ancient funerary stele. Vibrations, gasps, noises, namely “sound materiality”, that is what Grisey is interested in – as if he were describing the sounds produced by a dying body.
In my hacked interpretation I stage a sort of funeral march by dragging the bass drums along a straight path. Contrary to what required in the score, I place the two bass drums very close to each other, and hook them to my body by means of a strap. The luminous chronometer, although explicitly mentioned in the score, is very rarely included in any of the video recordings to which I have had access. In my interpretation, however, it acquires a key role in the form of blinking bulbs symbolizing the continuous flow of time. The sense of emptiness over the loss of Dominique, which could be the same as anyone would feel over the loss of a loved one, is manifested when I, performer and “body”, arrive at the end of the path and gradually move away from the bass drums. Then, the last section of the piece fades in through the speakers, creating a fading transition that emphasizes the theme of “crossing the threshold”, one of the most recurring and emotionally touching symbolism in Grisey’s entire production, namely the otherwise almost invisible image of entering the “beyond”, the afterlife.